A Granel - Escáner Cultural

El artista americano fallecido en 1990 a los 31 años a causa del sida, era hijo del Pop Art y como tal, creció entre comics y dibujos animados, entre los fluorescentes y fosforescentes de la cultura de masas. Así, toda su creación nació con un marcado propósito de difusión rápida y utilización universal. A lo largo de sus diez años de carrera, Haring plasmó con reiteración en litografías, serigrafías, estampados en relieve y aguafuertes sus figuras estridentes formadas por trazos y laberintos. Para ilustrar sus corrosivos mensajes creó símbolos que representan la violencia, el dinero, el sexo, el Sida, la religión y el racismo. Símbolos que aun hoy ilustran y documentan muy claramente el acontecer de aquel tiempo.

El estilo lineal de Harina es aún hoy aplicable, como estilo de comunicación de nuestros días, al plasmar el grito mercantilista de los centros de las grandes ciudades en postres, escaparates, camisetas… Harina procedía de un ámbito ilegal de creadores de imágenes que surgieron en los centros urbanos al margen del arte y de los intereses comerciales, y que utilizaban el espacio público para plasmar con su simbología aspectos clave de la vida cotidiana. Harina creó un lenguaje claro y comprensible por medio de iconos que representaban las tendencias de la sociedad de una forma cognitivamente genial. Algunos lo ven como el iniciador del “Arte Graffiti”. Sus iconos se convirtieron en un expresivo lenguaje intelectual.

La muestra que se exhiben en La Nau. Centre Cultural de la Universitat de València, perteneciente al coleccionista Klaus Wecken, consta de un total de 215 trabajos que documentan el desarrollo artístico de Haring. Una andadura que se inicia entre diciembre de 1980 y enero de 1981, cuando comienza a trabajar con la tinta Sumi sobre papel Velin, pintando los diecisiete “Blueprint Drawings”. En 1990, poco tiempo antes de su fallecimiento, las publicó en forma de serigrafías casi a modo de legado. Las láminas están agrupadas en una secuencia que, en su conjunto, forman las estaciones de un rosario de dolor al igual que sucedía con los aguafuertes y las tallas de Durero. Junto a las imágenes del triunfo y de la felicidad, existen otras de humillación y destrucción. En los “Blueprint Drawings”, Haring muestra las imágenes más características de toda su obra: escensa de fuerza y amenaza, de sexualidad y de histerismo religioso se relacionan conscientemente expresando una interactividad inmediata.

Esta exposición ofrece una imagen global del lenguaje iconográfico de Haring, compuesto por bebés, perros, ángeles y figuras de Batman, cuya multicromía expresiva estaba rodeada de un aura radiante. “Icons” es como los llamó, y en realidad son imágenes de santos al servicio de una idolatría del espíritu de su tiempo. Además, la exposición incluye una impactante guerra de imágenes enfrentadas a textos del escritor modernista William S. Burroughs en los ciclos “Apocalypse” (Apocalipsis) y “The Valley” (El Valle). También destaca una interesante colaboración con Andy Warhol, que dio lugar a la serie “Andy Mouse”.

Los dibujos “Pop Shop” ocupan un gran espacio en la obra gráfica de Haring. Eran los motivos que Haring creó para los productos que vendía en las tiendas de Nueva York y de Tokio. “Pop” significaba para Haring el enfrentamiento directo y sin prejuicios de los símbolos, los colores y los ídolos forjados en el día a día mediante la publicidad, los medios de masas y la vida cotidiana de la calle. De los ingresos procedentes de licencias que generaban la venta de sus pins, sus camisetas, sus pósters, etc., todavía se destina hoy en día un determinado porcentaje a la investigación del SIDA enfermedad que le llevó a la muerte en 1990 a los 31 años.

La exposición “K. Haring. Obra completa sobre papel. 1982-1990” ofrece una gran oportunidad para adentrarse en el mundo creativo de este singular artista. Se trata de un universo en el que la línea es la protagonista absoluta en la creación de dibujos continuos. Desde las pintadas que dibujó con tiza en los paneles del metro y con las que cautivo el interés de los neoyorquinos, hasta sus murales y las obras impresas, muestran su dominio del trazo y la proporción.

A este estilo lineal se suma la elección de fondos monocromos y de contornos gruesos que contribuyen al objetivo del artista: permitir una lectura fácil y rápida de sus mensajes. Sus creaciones se han convertido en símbolos fácilmente reconocibles y que hoy en día conservan intacto su poder comunicativo.

Haring se inspiraba en el mundo que le rodeaba y en sus propias vivencias, la influencia de los cómics, los medios de comunicación y la tecnología están presentes a lo largo de toda su obra. Unos intereses a los que sumaba su sensibilidad hacia problemas sociales como el apartheid, la lucha contra el sida o la guerra. La profundidad y complejidad de sus temas contrasta con la apariencia sencilla e infantil.

Entre sus figuras más reconocidas se encuentran el “bebé radiante” que convirtió en su firma por considerar que es la etapa más positiva del ser humano, el perro que simboliza numerosos conceptos como la amistad o la protección, o las pirámides humanas influidas por el “electric boogie”. Hay otros casos de creaciones que surgieron a raíz de un acontecimiento concreto como las figuras con un agujero en el vientre que, según recoge Alexandra Kolossaen su libro “Haring”, se inspiraron en el asesinato de John Lennon.

La exposición propone no sólo una amplia muestra del lenguaje iconográfico del artista sino también una prueba del interés de Haring por las diferentes técnicas de impresión. En sus diez años de carrera produjo una gran cantidad de litografías, serigrafías, impresiones en relieves y grabados, y trabajó con impresores de Estados Unidos, Suiza, Japón, Alemania, Francia, Dinamarca y Holanda.

La exposición “Obra completa sobre papel” es única en su género, ya que es la única colección en el mundo que recopila toda la obra impresa del artista. Documenta la obra de Haring en su totalidad y presenta, en cierto modo, una visión retrospectiva. La exposición, que sólo se ha exhibido en Alemania y Japón, ha sido visitada por cerca de un millón de personas.

Paralelamente, se desarrollará un taller didáctico en el Claustro Mayor de la Universitat de València. Además, por la singularidad de la exposición, Bancaja, quiere completar el acercamiento a la figura del artista con una serie de actividades adicionales en las que se fomentarán los contenidos lúdicos y la participación de los asistentes. Las variadas propuestas se desarrollarán a lo largo de los más de dos meses de exposición de la muestra.